Stop motion y sus características

 STOP MOTION

Es una técnica artística que en castellano se traduce como “Fotograma a fotograma” y básicamente consiste en crear escenas con objetos inanimados o estáticos a base de múltiples tomas o fotografías, cada una con un movimiento diferente y siguiendo una secuencia, esto para dar el efecto de movimiento real cuando se unan todas las fotografías. 

Es un medio artístico que se utiliza sobre todo en el cine, con preferencia en el infantil, pues sirve para dar esa animación a objetos y da entretenimiento al público.

Tipos de Stop Motion o Animación:

Cuando se habla de tipos de stop motion, se hace alusión a los materiales con los que se trabaja, pues la técnica es la misma para todos.

1. Claymation: El productor y director americano Will Vinton es quién da a conocer este término al mundo, y es básicamente la creación de escenas en stop motion a base de plastilina, un material moldeable para crear diversas escenas  en donde los personas u objetos puedan tener movimiento, normalmente a las formas hechas se les agrega un soporte de alambre por dentro para darle consistencia.

2. Object motion: En esta categoría del stop motion el material que se utiliza es literalmente cualquier objeto en físico, se le logra dar movimiento a objetos que en la vida real jamás podrían moverse por si solos, ya sean almohadas, cucharas, lápices, entre otros.

3. Pixilación: En esta variante del stop motion se le da ese tipo de animación a personas, es decir, a cuerpos humanos reales, se toman diversas fotografías en diferentes posiciones para así dar el efecto de movimiento.

4. Cut Out animation: Se aplica usando recortes de papel, tela o cualquier material plano. Al tomar fotogramas con estos recortes se dará el efecto bidimensional.

Las figuras de los personajes, una vez compuestas, pueden ser unidas por superposición o mediante alfileres.

Las figuras se colocan sobre una superficie horizontal y las fotografías se toman verticalmente desde arriba.

5. Puppet animation: Esta categoría suele ser de las más utilizadas, consiste en utilizar marionetas o muñecos para la animación, donde llevan una armadura por dentro para darle una mayor facilidad al cambio de postura, también pueden ser cambiadas varias partes de la marioneta.

6. Silhouette animation: En este último tipo de Stop motion se utilizan figuras o recortes detrás de una superficie blanca, se graba a contraluz y se da el efecto de un teatro o show de sombras, básicamente es lo mismo que los otros solo que sin colores aparte del negro y blanco.

Guiones

Guion Literario: 

El guion literario es un documento en el que se relata la acción que se va a ver en una historia audiovisual.

Se incluyen los decorados donde tendrá lugar la historia.

Se describen los diálogos y las acciones de los personajes. E incluso, puede contener acotaciones para los actores u objetos animados.

En el guion literario se puede saber lo que va a pasar, pero no cómo se va a contar en imágenes. 

Guion Técnico:

Es una lista de los planos que se van a rodar para contar una historia en imágenes.

Esa lista puede tener mas o menos especificaciones.

Como mínimo, se debe indicar el tamaño y los tipos de plano, y describir brevemente lo que va a suceder en él. 

Adicionalmente se puede también definir el ángulo de la cámara, y qué parte de la escena se va a rodar.

Guion Gráfico:

Un guion gráfico es un organizador gráfico que planea una narrativa. Los storyboards son una forma de presentar visualmente la información; la dirección lineal de las celdas es perfecta para contar historias, explicar un proceso y mostrar el paso del tiempo. En su núcleo, los guiones gráficos son un conjunto de dibujos secuenciales para contar una historia. Al dividir una historia en trozos lineales y de tamaño, permite al autor enfocarse en cada celda por separado, sin distracción.

Programas recomendados para elaborar un buen STOP MOTION:

- FilmoraPro

- Dragonframe

- Stop motion studio

- Boinx ISstopmotion

- Frames

- Monkeyjam

12 principios de la animación:

1. Comprensión y extensión: Es la técnica que da la sensación de flexibilidad al objeto, desde una pelota que bota, hasta el estiramiento de una figura o personaje para producir un efecto cómico.

2. Anticipación: Con esta técnica el animador pretende anticipar una acción que va a ocurrir.

3. Puesta en escena: Se basa en la presentación de cualquier idea de una forma clara, con el objetivo de que el espectador no se distraiga y se centre en lo verdaderamente importante de la escena.

4. Animación directa y pose a pose: La animación directa se basa en dibujar directamente una escena cuadro por cuadro de principio a fin, creando una escena más fluida y realista. Por su parte la técnica pose a pose se basa en dibujar las poses clave de los personajes y luego completarlas con las poses secundarias.

5. Acción complementaria y acción superpuesta: Ambas técnicas hacen que el movimiento sea más realista.

La acción complementaria se basa en que elementos ajenos al cuerpo del personaje deben seguir en movimiento independiente aunque el personaje deje de moverse. Por su parte la acción superpuesta hace referencia a los diferentes elementos del cuerpo del personaje que se deben mover de diferente manera.

6. Acelerar y desacelerar: Se aplica tanto a personajes como a objetos para crear naturalidad. Se lleva a cabo creando más movimiento al principio de la acción y al final.

7. Arcos: Esta técnica se basa en que los movimientos naturales siguen una trayectoria circular.

8. Acción secundaria: Consiste en añadir acciones secundarias a la acción principal. Dando así más énfasis a la acción principal que queda más enriquecida.

9. Timing: Tiene que ver con la velocidad de la acción en escena que se ajusta con el número de cuadros que se añadan. Esta técnica es importante para crear humor y emociones en un personaje.

10. Exageración: Un recurso muy usado en las películas de animación pero hay que tener mucho cuidado para no arruinar la veracidad de la escena.

11. Dibujo sólido: Creación del espacio tridimensional de los dibujos para que se vean en 3D.

12. Atractivo: A la hora de crear un personaje es importante que el público conecte con él, da igual que sea del bando bueno o malo, guapo o feo. Lo importante es que resulte cautivador para el espectador. En ese sentido los rasgos del personaje serán fundamentales.